Fotografi adalah media artistik yang populer di Australia, di mana tidak ada kekurangan subjek, dari lanskap alam yang indah hingga populasi multikultural. Seniman kontemporer menggunakan kamera untuk menggambarkan kehidupan sehari-hari dan transformasinya, serta lanskap alam dan sosial yang berubah. Dari penggunaan media yang lebih tradisional hingga menguji batas-batas dan keterbatasannya serta melintasi genre, 10 fotografer ini adalah yang terbaik saat ini.

Justine Khamara

Justine Khamara (lahir 1971) menginvestigasi dan menantang batas-batas media fotografi, menafsirkan kembali potret fotografi dan mempertanyakan pengertian kontemporer tentang keberadaan. Karya pahatan dan kolase tiga dimensinya menawarkan manipulasi realitas yang melibatkan gagasan representasi diri dalam era teknologi produksi instan, generatif tanpa akhir (kembali). Oeuvre-nya menggunakan foto dan gambar iris tipis dari satu subjek yang diambil dari berbagai sudut. Erysicthon's Ball (2010) diilhami oleh mitos Yunani tentang Erysicthon, Raja Thessaly, untuk mempertanyakan kesombongan masyarakat modern, terbukti dalam kegiatan yang tersebar luas dan mementingkan diri sendiri dalam mengambil banyak gambar diri sendiri dan mempostingnya melalui beragam saluran media sosial— dengan demikian berusaha mengendalikan representasi pribadi dan mengabadikan fenomena kesombongan. Dalam banyak karyanya, Khamara menggunakan gambar dirinya dan keluarganya atau teman-temannya, yang memungkinkannya untuk bekerja secara intim dengan subjek potretnya. Dalam Watch me menyelinap melalui lembaran tipis ini (2011), selembar kain dicetak dengan gambar dirinya dan ibunya dikombinasikan dengan cermin, untuk menarik perhatian pada kemungkinan individu mengalami berbagai aspek dari diri mereka sendiri.

Bill Henson

Bill Henson (lahir 1955) memanfaatkan waktu tertentu dalam sehari — senja — untuk menangkap gambar pemandangan dan remaja muda yang menciptakan semacam 'mitologi modern'. Kondisi pencahayaan dari senja dan teknik penyesuaian yang kurang pencahayaan dan pencetakan memungkinkan Henson untuk mencapai kontras bayangan dan cahaya - chiaroscuro - yang mirip dengan lukisan alam benda Flemish yang masih hidup. Oeuvre-nya memunculkan suasana transendensi dan peristiwa supernatural, menjelajahi tema dualitas yang berulang. Subjeknya digambarkan dalam kegelapan dan cahaya redup, tidak pernah melihat langsung ke lensa, sebagian tersembunyi untuk menciptakan aura misteri dan keberadaan bacchanalian. Tableaux karya Henson, yang dipentaskan, melanjutkan tradisi sastra dan seni Romantis abad ke-19 dan konsep Sublime, di mana kemegahan Nature memprovokasi sensasi yang saling bertentangan antara keheranan, teror dan kekaguman. Mengaburkan batas antara kenyataan dan ketidaksadaran, Henson mengangkut pemirsa ke dimensi paralel yang bersembunyi di balik selubung tebal kegelapan dan penuh muatan referensi ke masa lalu kita. Bagi sang seniman, bentang alam adalah elemen kuat dari ingatan kita, dan minatnya untuk menangkapnya dalam gambar kenang-kenangan mori yang memiliki kekuatan untuk membawa penonton ke dunia yang tak lekang oleh waktu.

Tracey Moffatt

Pembuat film, artis video dan fotografer Tracey Moffatt (lahir 1960) menciptakan karya-karya yang merangsang pemikiran yang mengeksplorasi isu-isu seperti ras, trauma masa kanak-kanak dan media, serta penaklukan Aborigin, dominasi ibu, stereotip gender, dan pembagian kelas. Karya-karya yang diproduksi pada 1980-an termasuk Some Lads (1986), serangkaian foto hitam-putih yang ia tunjukkan bersama foto berwarna The Movie Star (1985). Dalam Disappointed Dreams (1989), Moffatt menyajikan narasi yang kaya dan terfragmentasi dengan gambaran sugestif tentang kekerasan, kemewahan dan mimpi kecewa. Ketertarikannya pada hubungan kekuasaan terbukti dalam Scarred for Life (1994), satu set litograf yang menyandingkan foto dan teks, meniru tata letak dan format halaman majalah Life yang lama dan pudar. Serial ini menggambarkan masa kanak-kanak dan remaja saat jenuh dengan kekerasan, penelantaran dan gejolak psikologis. Pada tahun 1998, Moffatt bereksperimen dengan media baru, menciptakan Laudanum, serangkaian foto - foto — atau ukiran foto — yang berfokus pada hubungan antara seorang wanita dan pelayan pribadinya. Karya karyanya baru-baru ini, 'Spirit Landscapes' (2013), dipamerkan di QAGOMA pada tahun 2015, terdiri dari lima seri fotografi baru dan sebuah film, mengeksplorasi kerohanian, memori dalam lanskap dan supranatural, dan menawarkan meditasi tentang pentingnya tanah dan tempatkan melalui sejarah pribadi dan universal.

Patrick Pound

Di pusat praktik Patrick Pound (lahir tahun 1962) terletak minat pada gagasan pengumpulan dan arsip, yang memungkinkannya menciptakan semacam 'pemetaan budaya manusia'. Memegang pandangan dunia yang menyamakannya dengan sebuah teka-teki, sang seniman berusaha untuk menyambung kembali karya-karyanya satu per satu dengan mengumpulkan, mengelompokkan, dan mengklasifikasikan foto-foto dan ephemera yang ditemukan dengan susah payah. Latihan Pound bertujuan untuk mencapai pemahaman yang tidak dapat dicapai melalui pengumpulan tanpa batas. Kolase dan kumpulan gambar yang ditemukannya dan objek yang dibuang tidak acak, melainkan berfungsi seperti definisi dalam kamus atau seperti bukti yang dikompilasi dan dikonstruksi. Pound 'mendefinisikan' gagasan abstrak yang ditangkap dalam film, tetapi diabaikan oleh pengamat yang sama — mematerialisasikan potret yang tidak berwujud. Misalnya, Portrait of the Wind (2013) terdiri dari banyak koleksi potret orang yang ditemukan 'yang kebetulan berada dalam angin, ' sementara seri Crime Scene (2013) menampilkan foto-foto yang memperlihatkan subjek yang meninggal — sebenarnya, mayoritas dari mereka tidur. The Photographer's Shadow adalah serangkaian foto di mana bayangan fotografer ditangkap di film, sedangkan di The Missing Pound telah menghapus orang dari kartu pos dan foto menggunakan Photoshop.

Liu Xiaoxian

Berasal dari Tiongkok, Liu Xiaoxian (lahir 1963, Beijing) pindah ke Australia pada 1990, setelah insiden Tiananmen. Latar belakang Cina dan pengalaman hidupnya sebagai orang Australia yang 'diadopsi' memainkan peran penting dalam praktik artistiknya, yang mengeksplorasi perbedaan serta kesamaan antara Timur dan Barat dalam isu-isu seperti budaya, tradisi, politik, agama, identitas, dan gender. . Melalui fotografi dan seni pahat, Liu menganalisis simbol-simbol Barat dan Timur yang signifikan secara budaya sebagai ungkapan pengalaman migran, menyandingkan mereka dalam karyanya. Diptych monumentalnya Our Gods (2000), dalam koleksi Galeri Seni New South Wales, menyatukan representasi dari Kristus yang menderita dan Buddha yang tertawa. Lebih dari sekadar ditempatkan berdampingan satu sama lain, kedua potret itu dikomposisikan — dengan bantuan montase dan manipulasi digital — sebanyak 22.500 gambar kecil yang diulang-ulang, seperti piksel. Dalam karya sebelumnya, My Other Lives (1999), Liu menggunakan foto-foto dari koleksi ekstensif album keluarga vintage Australia. Seniman itu secara digital memasukkan wajahnya ke dalam gambar-gambar stereografik tentang keluarga Australia pergantian abad. Liu berusaha memberikan visibilitas ke sejarah identitas Asia yang sering diabaikan dalam pembangunan budaya Australia, serta menyikapi gagasan perpindahan, migrasi dan identitas.

Pat Brassington

Bekerja dalam fotografi dan media digital, Pat Brassington (lahir 1942) menarik pengaruh dari surealisme, menggali ke luar biasa dan efek provokatif yang dimiliki ambiguitas pada interpretasi. Karyanya terungkap menjadi gambar-gambar yang berubah seperti noda tinta dari tes Rorschach, membuka kemungkinan tak terbatas dari kondisi psikologis batin kita terkait dengan narasi seks, ingatan dan identitas. Gambar-gambar Brassington yang memesona menggabungkan analog dan digital, dulu dan sekarang, menciptakan realitas ambigu, terkadang abstrak (sur). Dalam karya awalnya, ia menggunakan film hitam putih untuk menangkap gambar telanjang telanjang puitis di dekat pintu dan karya-karya lainnya. Pada 1990-an, Brassington membelok dari media yang lebih tradisional dan mulai merangkul manipulasi digital. Kemampuan untuk memotong-motong, mendekonstruksi, dan membangun kembali gambar-gambar memberi jalan kepada imajinasinya yang tak terbatas dan memungkinkannya untuk mengejar minat lama pada ruang antara realitas dan fantasi. Artis menggunakan foto-foto yang ditemukan atau yang ada dari koleksi pribadinya sendiri, menggabungkannya dengan 'elemen asing'. Gambar yang mengganggu mulut tersumbat, seperti dalam Forget Your Perfect (2008), mengotori paha dan elemen seperti alat kelamin - seperti dalam seri In My Mother's House (1994) - hanya beberapa di antara banyak yang dia hasilkan.

Peta Clancy

Peta Clancy (lahir 1970) mengeksplorasi tema-tema kefanaan, temporalitas, mutabilitas, dan batas-batas korporeal dan subyektif dari tubuh manusia. Praktik fotografinya membelok dari batasan dua dimensi untuk merangkul bidang fotografi yang diperluas, dengan intervensi seperti menusuk, meremas, mengencangkan dan menyematkannya dalam lilin, serta memproduksi karya instalasi seperti This Skin I'm In (2002) - dengan gambar yang dicetak di atas bantal kain. Mengatasi keasyikan dengan kulit, kematian dan penuaan, seri-nya. Dia membawanya seperti peta pada kulitnya (2005-2006) terdiri dari gambar mata dan bibir wanita yang tertusuk dengan jarum perak halus, untuk menciptakan efek seperti renda. . Clancy mengatakan bahwa 'Kulit tidak memiliki akar, itu mudah terkelupas seperti kertas, ' (unduhan PDF) dan 'permukaan kulit dan foto adalah pusat' untuk pekerjaannya. Realisasi kerentanan dan kerapuhan tubuh manusia dan bagaimana ia dapat berubah begitu cepat adalah inti dari seri lain, kertas tipis (2007), di mana kertas tersebut juga mewakili kulit manusia — seniman tidak hanya menusuknya, tetapi kusut, seolah-olah mewakili kulit keriput. Menunggu Debu untuk Menyelesaikan (2000-2005) menangkap berlalunya waktu dan 'residu menit dari kehidupan kita sehari-hari, ' dengan gambar jejak dan bayangan yang ditinggalkan oleh benda ketika dipindahkan dari tempat mereka. Potongan-potongan debu dan kulit mati yang diperbesar menunjukkan kefanaan dan 'debu dari mana tubuh datang dan ke mana ia akan kembali.

Trent Parke

Fotografer Magnum, Trent Parke (lahir 1971) terinspirasi oleh pengalaman hidupnya sehari-hari dan terutama bekerja dengan fotografi jalanan. Pada tahun 2003, Parke melakukan perjalanan hampir 90.000 km keliling Australia bersama istri dan sesama fotografernya, Narelle Autio. Hasilnya adalah Minutes to Midnight, kumpulan foto dari perjalanan yang menawarkan potret Australia abad ke dua puluh yang mengganggu, dari pedalaman yang kering hingga kehidupan kacau di kota-kota Aborigin yang terpencil. Pada 2007, Parke memulai perjalanan batin, untuk menjelajahi kehidupan dan masa lalunya sendiri — seperti katanya, 'untuk menggali sejarah saya sendiri.' Selama tujuh tahun, ia bekerja di The Black Rose Diaries, yang diperlihatkan di Galeri Seni Australia Selatan pada tahun 2015. Serial ini dimulai ketika Parke merenungkan pada suatu malam ketika pada usia 12 ia menyaksikan kematian ibunya karena serangan asma. Sejak saat itu, sang seniman menutup semua kenangan masa kecilnya, sampai ia berhadapan dengan masalah dan mulai membuat badan kerja di sekitarnya. Terdiri dari foto, surat dan teks, seri ini tidak hanya menceritakan kehidupan Parke — dulu dan sekarang — tetapi juga mengajukan pertanyaan universal tentang keberadaan kita. Berasal dari pengalaman sehari-hari dan refleksi tentang kehidupan, karya ini adalah meditasi pada perjalanan hidup dan bagaimana saat ini, masa lalu dan masa depan saling terkait.

Petrina Hicks

Petrina Hicks (lahir 1972) memanfaatkan 'bahasa yang menggoda dan mengkilap' dari fotografi komersial — latar belakang profesionalnya — untuk terlibat dengan masalah keindahan dan kesempurnaan, sambil juga mengeksplorasi kemampuan fotografi untuk menciptakan dan merusak proses konsumsi dan rayuan. Gambar-gambarnya menampilkan subjek yang tampaknya sempurna, disandingkan dengan 'alien', elemen aneh yang membingungkan penonton — menunjuk pada ketegangan antara keindahan dan ketidaksempurnaan. Dalam Shenae dan Jade (2005), seorang model muda memegang budgie dengan kepalanya di mulutnya — sebuah kombinasi yang tidak biasa dan tidak konvensional yang membuat potret perfeksionis bergaya perfeksionis tidak seimbang. Hicks sering mengeksplorasi identitas wanita, merujuk mitologi dan sejarah seni, dan menghubungkannya dengan budaya gambar kontemporer. Ini terbukti dalam Hippy and the Snake (2011), sebuah seri yang terdiri dari video dan foto-foto berskala besar yang secara halus merujuk Hawa dan ular di Taman Eden yang dibayangkan kembali. Dalam Venus dan The Birth of Venus, ia dengan tepat menunjuk ke dewi mitologis dan simbolisme perempuan lainnya, sementara juga menggemakan gagasan feminisme yang lebih kontemporer dan pandangan laki-laki yang seksual. (Unduh PDF) Karya-karya lain merujuk pada hubungan simbiosis antara manusia dan hewan, seperti Lambswool atau Rosemary's Baby (2008).

Sonia Payes

Fotografer dan seniman media baru Sonia Payes (lahir 1956) dalam beberapa tahun terakhir membelok ke arah surealis, menciptakan gambar-gambar yang menghantui dan berlapis-lapis di mana elemen-elemennya dibalik, dikaburkan, dan dibiarkan tak terlihat. Melalui praktik fotografinya dan animasi multimedia barunya serta instalasi tiga dimensi, Payes mengeksplorasi tema perusakan lingkungan, kiamat, dan pembaruan masa depan kita. Seniman tersebut mendapatkan perhatian dengan esai fotografinya tentang 60 seniman Australia di UNTITLED. Potret Seniman Australia, diterbitkan oleh Macmillan pada 2007. Pada 2012, Payes melakukan residensi dengan Yayasan Seni China Australia di pedesaan Beijing, yang memuncak dalam produksi seri Interzone, ditampilkan di Fehily Contemporary pada 2013. Selama waktunya di Beijing Payes tenggelam dalam lingkungan keras pembangunan perkotaan Cina yang cepat — tanah pertanian dengan cepat digantikan oleh tambang dan semen. Seniman menyaksikan perubahan signifikan tidak hanya dalam lanskap dan lingkungan, tetapi juga dalam hubungan manusia. Melalui seri-nya, Payes memberikan komentar sosial serta tercermin pada keterkaitan manusia-lingkungan baru yang disebabkan oleh industrialisasi luas Cina. 'Re-generation' (2014) mengeksplorasi praktik Payes melalui berbagai karya, termasuk Earth Warriors dan Ice Warriors — disajikan sebagai 'panduan' untuk mengarahkan umat manusia dalam upayanya untuk menemukan solusi baru terhadap degradasi yang ditimbulkan pada lingkungan kita. Seri lain menggambarkan dan merefleksikan ketahanan manusia dan kapasitasnya untuk terus berubah dan beradaptasi dengan lingkungan bumi yang bisa berubah.